Pragmatik Sanat - Kim veya Ne İçin?

“Günümüzde insanlar her şeyin fiyatını biliyor ama hiçbir şeyin değerini bilmiyor.”

- Oscar Wilde, 1890, Dorian Gray’in Portresi

Wilde’ın Viktoryan toplumunun materyalizm ve yüzeysellik üzerine olan saplantısına karşı idealizmin içsel değerlerini yansıtması.

I. KISACA TARİHÇE

Sanat, idealleri ifade etme aracı olarak uzun bir geçmişe sahiptir. Bu idealler, ustalık gerektiren derin senaryolar veya ifadeler aracılığıyla aktarılabilir.

Tarihsel olarak sanatçılar, sanatın nasıl yaratılması gerektiği konusunda sık sık tartışmışlardır ve zıt görüşler daha kolayca ayırt edilebilirdi. Ancak bugün, sanatın arkasındaki motivasyonlar ve temsil ettiği perspektifler eşit derecede karmaşık.

Artık sanat yaratma süreci, içkin olarak kolektif çabalarla bağlantılı sonuçlara odaklanıyor.

Sanatçıların rolü ve algısı zamanla önemli ölçüde evrimleşmiştir. Başlangıçta dini amaçlara hizmet eden sanat, yetenekli bireylerin zenginlerin himayesiyle tanınmışlık kazanmasıyla lonca sistemleri aracılığıyla evrimleşmiştir. Sanat piyasalarının ortaya çıkışı, sanatçıların sınıf sınırlarını aşan benzersiz bir sosyal statü kazanmasını sağlayan sanatsal büyümeyi teşvik etmiştir. Bu evrim, sanatın amacı hakkında tartışmalara yol açmıştır: Ahlaki veya toplumsal değerlere mi odaklanmalı, yoksa yalnızca estetiğe mi? Çeşitli hareketler bu soruları farklı şekillerde ele almıştır.

Empresyonistler sosyal yorumları estetik değerle birleştirirken, ekspresyonistler ‘sanat sanat içindir’ anlayışını savunmuşlardır. Pop sanatı ve kültürel sanat, tüketim kültürünü keşfetmiş ve geleneksel estetik kaygıları gölgede bırakmaya başlayan yeni eğlence biçimlerini ortaya çıkarmıştır.

Dünya değiştikçe, neoliberal politikalar ve ‘mutluluk endüstrisi’ insanların sanat ve sanatçılar hakkındaki iç deneyimlerini ve inançlarını yeniden şekillendirmiştir.

1980’lerde postmodernizm, kurulu anlatıları ve yöntemleri sorgulamaya başlamıştır. Bu değişim, sanatsal üretimin sahiciliği ve orijinalliği hakkında artan bir şüpheciliğe paralel olarak gerçekleşmiştir. II. Dünya Savaşı’ndan sonra başlayan bireysel ifade dönemi yavaş yavaş solmaya başlamıştır.

Günümüzde, gerçeklik, değerler ve eğilimler hakkındaki soruları kolektif çabalar aracılığıyla daha sık sorguluyoruz. Çağdaş sanat, piyasa talepleri, sanatsal bütünlük, dijital üretim ve alım, ve keşif özgürlüğünün yanılsaması gibi birden fazla baskıyla mücadele ediyor.

II. YARATICI SANATIN ORTAYA ÇIKIŞI VE ALTERNATİFLERİ

Hızla ilerleyerek, günümüzde abonelik bazlı sanatçı statüsüne sahibiz; değerler ve bunu mümkün kılan ustalık, demokratikleştirilme riski altında. Bu bölüm, mevcut sorunlarla bağlantılı tartışmaları detaylandırmayı amaçlamaktadır.

Yaratıcı sanat, otonom algoritmalar aracılığıyla yaratıldığında, yaratıcılık ve mülkiyet üzerine uzun süredir devam eden kavramları sorgular. Bu sanat formunun kabulü küresel olarak değişiklik göstermektedir; teknoloji merkezleri onu coşkuyla benimserken, geleneksel sanat çevreleri temkinli yaklaşmaktadır. Bu ikilem, sanatın amacı hakkında devam eden tartışmaları yansıtmaktadır: Pragmatik değere mi öncelik vermelidir, yoksa ifade etmenin yeni sınırlarını mı keşfetmelidir?

Yaratıcı sanata dair etik kaygılar, telif hakları sorunlarından AI modellerindeki önyargıların yayılmasına kadar uzanmaktadır. Bu tartışmalar, mekanik üretimin yükselişinden bu yana devam eden sanatta sahicilik ve değer temalarını yansıtmaktadır. Eğitim veri kümelerinin mevcut durumu, genellikle izlenemez veya potansiyel olarak izinsiz eserler içermesi, bu yeni sanat ortamının etik temelleri hakkında soruları gündeme getirmektedir.

Neoliberal perspektiften bakıldığında, yaratıcı sanat heyecan verici olanaklar sunmaktadır. Geleneksel eğitimin ilerici değerine sahip olmayan kişilere sanatsal ifade olanağı tanıyarak yaratıcılığı demokratikleştirir. Ticari alanda, hızlı iterasyonlar ve ölçeklendirilebilir kişiselleştirilmiş içerik sağlar.

Yaratıcı işgücü üzerindeki etki önemlidir. İş displasmanı korkuları varken, AI sanat küratörleri ve komut mühendisleri gibi yeni roller ortaya çıkmaktadır, bunlar daha az onurlu kabul edilir. Bu değişim, lonca sistemlerinden bireysel stüdyolara ve işbirlikçi dijital çalışma alanlarına doğru olan tarihsel değişikliklerle paraleldir.

Veri odaklı yaratıcı yöntemlere odaklanmanın etik sorunlara yol açtığına rağmen, işlem odaklı ve potansiyel olarak daha etik alternatif yaklaşımları kısaca listeyelim:

1. Prosedürel Üretim: Oyun tasarımında popüler olan kural tabanlı algoritmaları kullanır.

2. Evrim Algoritmaları: Sanatsal çıktıları evrimleştirmek için doğal seçilimi taklit eder.

3. 3. Ajan Tabanlı Modeller: Ortaya çıkan desenleri yaratmak için etkileşimleri simüle eder. Simulates interactions to create emergent patterns.

4. Yapay Hayat Yaklaşımları: Hayat benzeri süreçleri simüle ederek sanat üretir.

5. Minimal Veri ile GAN’lar: Altta yatan desenleri yakalamak için küçük veri kümeleri kullanır.

6. Nöroevrim: Sanatsal yaratım için sinir ağı mimarilerini evrimleştirir.

7. Kural Tabanlı Sistemler: Müzik ve mimaride kullanılan resmi dilbilgileri kullanır.

8. Fizik Tabanlı Simülasyon: Fiziksel süreçleri simüle ederek sanat üretir.

Bu modeller, yenilik, şeffaflık ve azaltılmış veri bağımlılığı gibi avantajlar sunarken; karmaşıklık, tahmin edilemezlik ve değerlendirme zorlukları nedeniyle pratik uygulamalar için genellikle daha az cazip hale gelirler. ,

III. DEĞER VE GERÇEK

Bu değerlerin ve şu karmaşıklığın ruhuyla, çağdaş sanat toplumumuzun kolektivist baskılarıyla zorlu bir yolculuğa çıkar. Bir zamanlar tekil bir ses olan sanatçı, şimdi nereye bakacağını ve kiminle duracağını bilemez hale gelmiştir; bu da aynanın kendisinin kusurlu olduğunu yansıtır. Sanatsal ifadedeki statü erozyonu potansiyeli, bölünmelerimizi hem bir ayna hem de keşfedilmemiş bölgelere bir pencere olarak hizmet etmeye çalışır.

Belki bu, gerçeklik ve kimlik üzerine yeni perspektifler keşfetme şansıdır. Eğer sanat hayatı taklit ediyorsa, verilen durum ne olursa olsun, doğal anlatıyı içsel olarak deneyimleyebiliriz. Zeitgeist, bizi aydınlatan boşlukları kapatma potansiyeline sahip, deneyimimizin ötesindeki görüşleri keşfetmemize olanak tanır.

Sanatsal bir lensin kolektif gerçeğimizi açığa çıkardığını mı düşünmeliyiz yoksa yalnızca yeni bir cephe mi inşa ediyoruz? Belki doğru yapıldığında ayırmamıza gerek yoktur, böylece farklı kanallarda eylemin değerine odaklanabiliriz.

Bu soruyla boğuşurken, belki toplumsal bölünmeleri aşmanın yollarını keşfeder ve giderek karmaşıklaşan dünyamızda sanatın birleştirici bir güç olarak hizmet ettiği bir geleceği hayal ederiz.